Ante el dolor de los demás

  

Susan Sontag escritora y ensayista norteamericana inicia su libro citando a Virginia Woolf y a sus profundas reflexiones sobre la guerra contenidas en el magnífico libro ´Tres guineas´´(publicado en 1938) que además, contiene un análisis del papel marginal de la mujer en la sociedad reivindicando  las mismas oportunidades profesionales y sociales que el hombre, imprescindibles para lograr un mundo más racional. El rechazo femenino a la guerra, le permite a Woolf reivindicar los derechos  que la mujer por una situación de discriminación no tenía en la época en que ella vivió. Woolf al analizar el dolor de las imágenes de guerra las pone en el mismo plano que la marginación que sufren las mujeres en la sociedad de la época.

La referencia a esta escritora  desde el comienzo de su libro es, una manifestación de la toma de relevo que intelectuales como Sontag ha llevado a cabo a partir de mujeres como Virginia Woolf. Hay que destacar la idea de que estas mujeres son las primeras intelectuales en mantener reivindicaciones feministas junto con una profunda reflexión sobre el dolor de la guerra manifestado en extraordinarias fotografías. Esto es un hecho a destacar sobre todo si  tenemos en consideración que aún hoy en día los  teóricos del tema  muestran prejuicios a la hora de reflexionar sobre este tipo de imágenes. Por todo esto  las ideas de Woolf son totalmente actuales por su valentía y madurez y sobre todo porque se enfrenta a lo que hasta ese momento era un tabú: las fotografías del espanto que es la guerra.

Sontag empieza su libro con este recuerdo a Woolf, poniendo de relieve la vigencia de sus argumentos e ideas, siendo totalmente necesaria su divulgación.
Al mismo tiempo, Susan Sontag pone de manifiesto como en las primeras guerras fotografiadas (la de Crimea, la de Secesión de Estados Unidos y la Primera Guerra Mundial) no aprecian fotografías del campo de batalla debido sobre todo a que los equipos fotográficos antiguos limitaban la movilidad del fotógrafo. Con respecto de las fotografías bélicas, casi todas anónimas, publicadas entre 1914 y 1918, su expresión y tono era fundamentalmente épico, y casi siempre presentaban un paisaje desolado y sin esperanza.

En este sentido, la aparición de la Leica (una cámara ligera) con una película de 35 milímetros permitió a los fotógrafos desplazarse libremente por los escenarios de la guerra y obtener así imágenes más directas y con mayor grado de espontaneidad



 

La fotografía, entre la ilusión de lo real y la memoria

                                                     

 

 

Creo que la idea principal de la obra de Bavcar que se deduce de la misma es, precisamente, su título: LA FOTOGRAFIA, ENTRE LA ILUSION DE LO REAL Y LA MEMORIA, que condensa magníficamente el parecer (la subjetividad) de Bavcar.

 Bavcar se quedó ciego por sendos accidentes a la edad de 11 años y cuyos recuerdos obtenidos hasta esa fecha le han servido para imaginar otro mundo ilusorio; así se conjuga lo imaginado en la realidad actual (su vivencia) con las escasas imágenes que logró captar antes de quedarse totalmente ciego. Como él mismo ha afirmado, fotografía lo que imagina, los originales están en su cabeza: se trata de la creación de una imagen mental y de la huella física de lo que es imaginado; es una interpretación de la realidad preconcebida en su niñez antes de perder la vista. Esta situación hace que el fotógrafo tenga un concepto ajeno a lo tradicional y lo concibe, ante todo, como un acto mental, algo muy subjetivo no enmarcable en los conceptos habituales de la fotografía.

Y ello es así, porque entiende, motivado por su ceguera, que la imagen no es algo necesariamente visual, sino que la concibe como una representación interna de realidades externas de modo que cada foto que hace la tiene perfectamente ordenada en su cabeza antes de disparar; la cámara se la lleva a la altura de la boca y de esa forma fotografía a las personas que tiene delante: las manos miden la distancia y lo demás lo hace el deseo de imagen que hay dentro de él.

De la lectura, cabe sacar dos conclusiones principales.

La primera, es algo característico de su obra y es el dominio de la luz en sus fotos (“el dominio de la luz es una de las cualidades fundamentales de la cámara oscura”, es decir, su mundo), afirmando a continuación que sus fotografía no es un trozo de la realidad, sino un deseo de imagen dentro de la oscuridad en que se desenvuelve, un intento de imaginarse el objeto antes de reflejarse en la foto y que va a surgir de entre la oscuridad gracias a esa luz.es por ello, que una frase muy expresiva del autor es cuando afirma que la vista física es una cosa y el deseo de imagen otra diferente.

Por ello, tal y como se ha afirmado por críticos, lo especial en la fotografía de Bavcar es que hay una "atmosfera", un espacio de sombra, donde "vive" la luz. La luz no cae sobre la superficie del objeto, sino que vive por si sola ye surge en esa  oscuridad tridimensional, volumétrica que le rodea por todas partes, por lo que su trabajo consiste en que se haga la luz para que surjan las fotos de entre la oscuridad y las tinieblas (acariciar la luz, expresa en algunos momentos para poder ver con el tercero ojo, afirma). Junto a esta idea de la fotografía que tiene el autor, también cabe reseñar su pensamiento acerca de la técnica fotográfica, en concreto, el desfase entre la instantánea y el resultado y cómo esta diferencia temporal ha ido evolucionando a lo largo del tiempo hasta el momento actual en que casi ya es inexistente, de modo que el tiempo de espera en la fotografía digital se aleja del existente para la fotografía analógica. Por ello, continúa, el fotógrafo actual va perdiendo progresivamente su subjetividad, ya que las nuevas técnicas van apartando al fotógrafo de su condición como sujeto activo, pasando muchas veces a ser un mero observador que recoge una instantánea en el tiempo y el espacio.

 Así, me ha parecido especialmente importante cómo diferencia la figura del fotógrafo de la época analógica de modo que, a diferencia del sXIX, actualmente el fotógrafo ya no dispone del tiempo necesario para prever la imagen de manera distinta a como aparece en el objetivo; el trabajo cada vez más automático va borrando la participación del sujeto que transcurre desde el momento de la foto hasta el trabajo en el laboratorio químico y su final comprobación entre la prueba y el sujeto fotografiado; en la actualidad, predomina la técnica y los avances tecnológicos sobre el trabajo del fotógrafo, aunque, sigue afirmando, no se ha perdido toda la esperanza si el fotógrafo del s. XXI se libera de la técnica y permite que un poco de su ser vaya quedando en la propia fabricación de sus imágenes.

El simil que emplea sobre el espejo para explicar este planteamiento me parece muy acertado, en el sentido de que todo espejo que nos refleja una imagen es porque tiene delante una presencia real; si queremos hacer fotos que reflejen nuestra idea de la imagen, primero tenemos que proyectar nuestra propio ser sobre esas fotos.

Alina Lebedeva

Fotógrafa rusa.

Sus fotografías se componen de retratos femeninos con mucha belleza.

Sus fotografías alternan el blanco y negro y el color, así como el desnudo y la moda.
El juego de luces y sombras juegan un importante papel en sus fotografías tanto de interiores como exteriores.

Son fotografías que transmiten sensualidad.

                                                   
                                                         

Olaf Martens

Fotógrafo nacido en Halle, Alemania.

Estudió fotografía en la Escuela de Artes Visuales de Leipzig y fue co-fundador de la agencia de fotos Punctum.

En 1990 realizó su primer trabajo para revistas de moda.

Sus imágenes son construidas sobre una base humorística, combinando los temas de la moda, lo conceptual, social..

La visión de lo femenino y erotiso forma parte de su trabajo.

Sus fotografías son hechas tanto en interiores como exteriores y sus modelos son gente de la calle.

Roland Brathes, " La cámara lúcida"

 

 

 





Roland Barthes ( 1915-1980) fue filósofo, escritor, ensayista, y semiólogo francés.

En este ensayo, Barthes busca definir la fotografía.

Para analizarla, Barthes habla del : Operator ( fotógrafo), Spector (los que examinan la fotografía), y el Spectum ( el blanco, el fotografiado)

Así desde la experiencia, hablará de las sensaciones que siente el objeto observado a ser fotografiado.Toma dos elementos fundamentales para desarrollar porqué unas fotografías interesan más que otras, y a esto es lo que llama "aventura".

Studium: pertenece a la categoría "to like". Lo define como aquello que logramos distinguir dentro de una fotografía y que nos interesa por sus testimonios históricos, políticos o por su cultura.

Punctum: pertenece a la categoría "to love". Es algo que no se busca en la fotografía, sino que aparece por sí solo, es aquello que nos llama la atención  de inmediata y que resalta, es el que despunta. Es un detalle, un sujeto el que realiza esta función.

Habla de la fotografía unaria, cuando este carece de punctum " transforma la realidad sin vacilarla"

La fotografía no debe tener un significado, ni llevar implícito un discurso. Hay fotografías que son como un "haiku", en el sentido de que es una manifestación que no va más allá de sí misma.

Hay fotografías que quedan en nuestra memoria, debido a estos dos elementos que desarrolla durante todo el ensayo. Una fotografía deja de gustarnos para pasar a ser una fotografía que queremos.

 

 

                                                  To like: Por su estética

               

                                                                                           Charlie Waite

                                        Ellie Elli

                                                                                                                                                                                 

 

To love: El carácter de la fotografía.

           

                                             Eugene Smith

 

                                                                                   Janson Langer

 





Fotografía de bebé

 

Durante este año, he hecho fotografias por encargo para otras personas.  

En este caso estas fotografías las hice para decorar la zona de maternidad del Hospital La Arrixaca.

Para mí fue todo un orgullo hacer este trabajo

Fotografía de moda

Estas fotografías las hice este invierno a Ángeles para su blog de moda, quería mostrar el poncho que lleva puesto .http://www.angelesydiablillos.blogspot.com.es/

¨ La obra de arte en la época de su reproductividad técnica¨

 

 

 

Walter Benjamin, nació el 15 de Julio de 1892 en Berlin, donde comenzó sus estudios de filosofía.

Siendo joven se acercó al idialismo de Inmanuel Kant y en 1912 hizo conciencia de que era judío al sentirse marginado y rechazado.

 

 En 1936 Benjamin escribe ¨ La Obra de arte en la época de su reproductividad técnica¨

 

Explica en el inicio de su ensayo que la obra de arte, desde su mismo surgimiento, ha sido infinitas veces reproducido, el hombre repite lo que otro hombre ya ha hecho.

 

Lo que hace que una obra de arte se reproduzca tantas veces y quiera acercarse a la obra original, hace que la obra ya no sea auténtica, que ya no sea única.

 

Para Benjamin  el ¨aura¨  representa la originalidad y la autenticidad de una obra de arte que no se ha reproducido.

 

Benjamin dice que el ser humano quiere acaercar todo a la actualidad y por ello hace cambios en las obras pasadas, y que con las nuevas tecnologías eso se puede hacer de manera más facil, haciendo tambien que se rompa el aura de la obra auténtica.

 

Habla de la fotografía como el método de reproducción más avanzado. Es más fácil captar un momento que dibujarlo.

 

Explica que por muy buena que sea la copia de una obra, esta no va a transmitir lo que esta ha vivido y emite.

 

Mi opinión, pienso que se ha avanzado mucho con las tecnoligías, que hoy en día todo el mundo que tenga un poco de interés puede hacer en este caso, por ejemplo, una fotografía y se le considere artista y lo que realmente es una obra de arte no se le considere como tal.

 

Una obra de arte siempre será única e irrepetible. Se podrán hacer modificaciones pero siempre se sabrá que esa obra que has modificado corresponde a otro autor.

Apropiacionismo

¿ Qué significa apropiacionismo? Movimiento artístico que coge como suyo, elementos( imágenes, estilos, materiales, técinas...) de otros para la creación de una  nueva obra. Este movimiento surge apartir del arte postmoderno, se caracteriza por la combinación de lo antiguo y de lo nuevo.
El apropiacionismo es un movimiento polémico traído de la postmodernidad.

Este movimiento surge apartir de los años 70 y 80. Este movimiento aparece, no para representar la realidad mediante una imagen, sino para redifinir trabajos anteriores.

Los artista apropiacionistas buscan imágenes para expresare.Prima el elemento de la narración.
Cogen elementos ya existentes para darles un nuevo signifcado.

El término fue aplicado por el crítico de arte Douglas Crimp quien organizó la exposición ¨Pictures¨
a los que invitó a artistas que cogían imágenes de otros para ellos darles otro sentido.

Siempre ha existido el apropiacionismo, desde la Edad Media, utilizaban las composiciones de obras ya existentes para crear nuevas.

El movimiento dadaísta destacaba por su apropiacionismo de revistas, periódicos, como uno de sus mayores exponentes, Marcel Dumpchamp hizo con la Mona Lisa

Artistas del pop-art como Andy Warhol utilizó fotografías para sus serigrafías.

El hecho de que este movimiento coja elementos de otros, en este caso hablamos de la fotografía, crea la polémica de plagio. Los defensores de este movimiento lo niegan porque  se crea una nueva obra de arte.

Un artista del apropiacionismo es Robert Longo, su arte está influenciado por los medios de comunicación de masas, llegó a dirigir varios videoclips del grupo de mússica R.E.M

Uno de los máximos exponentes del apropiacionismo es Yasumasa Morimura, sus apropiacionismos se convierten en autorretratos críticos y teatrales.

Aprovechando este ejercicio que nos han mandado en clase, se me ocurrió la idea de coger fotografías de festivales de música, fotografías donde se ve a la gente disfrutando de estos esperedos conciertos que se hacen en los meses de verano, que reúnen a personas de diferentes edades, estilos e incluso de diferentes ciudades. Fotografías que muestran las poses de las personas tan características de estos festivales o conciertos, como por ejemplo las manos arriba, personas encimas de otras. colorido, escenarios llenos de animaciones....etc.

Con estas fotos que  he elegido, se pude dar un uso publicitario, haciendo uan revista, catálogo, para mostrar el ambiente tan bueno y diferente que producen estos conciertos. Asi también, anunciar la llegada de la primavera/verano con estos llamativos y esperados festivales.

                                                    

 

Escuela de Düsseldorf

                                                  
                                                               

 

 Si hablamos de la Escuela de Düsseldorf es importantísimo e inevitable hablar de la pareja Hilla y Bernd Becher, ellos son los fundadores de esta escuela.

Ellos fueron los primeros en documentarse de la fotografía de arquitectura industrial.
Su concepción de la fotografía se definía por ser fácilmente reconocibles y por su carácter estricto.
Sus imágenes muestran instalaciones y objetos naturales, en blanco y negro .
Los elementos se presentan sobre un fondo gris, evitando sombras y los objetos se muestran con gran nitidez, impidiendo fijarte en el entorno, haciendo que lo principal sea el elemento.

La Escuela de Düsseldorf surge en los años 60, el objetivo no era la imitación, sino la invención de nuevos universos iconográficos , para ello eran importante tres conceptos: realismo, distancia y objetividad.

Cada alumno que salió de esta escuela adoptó su propio estilo, cogiendo como base las enseñanza de Hilla y Bernd Becher.


Algunos de los alumnos convertidos en prestigiosos fotógrafos contemporáneos:
    
                                               
                                                 

                Cándida Hofer

 

 

 

                                Axel Hütte

  

                                  Petra Wunderlich

 

 

 

                                                                                             Jörg Sasse

 

Rosa

 





Fotografías hechas en un antiguo edificio de las afueras de Alicante.
Noviembre de 2012

Blade Runner

                 

Película de ciencia ficción estadounidense, dirigida por Ridley Scott estrenada en 1982.

La acción se desarrolla en un futuro no tan distinto al que nosotros imaginamos, pues el hombre trabaja con máquinas e incluso desarrolla máquinas que sustituyen al hombre.
En el contexto de la película el hombre desarrolla un robot virtualménte idéntico al hombre yconocido como replicante. Estos, serán superiores en agilidad y fuerza pero iguales en inteligenciaque sus diseñadores.
Son creados a partir de una vida adulta por lo que no tienen recuerdos de su pasado, tienen la vida limitada a 4 años después mueren. Al nacer a estos replicantes se les entrega una caja con fotografías, mostrándoles recuerdos que ni son propios de estos replicantes.
Llegado a este punto, es dónde se nos pregunta en clase si la fotografía influye en nuestra personalidad y por qué es tan necesaria para la construcción de nuestra memoria.
La fotografía forma parte de nosotros, son nuestros recuerdos, gracias a las fotos sabemos de donde venimos.
Las fotos recuerdan momentos que ya hemos vivido, recordamos como hemos sido y si hemos cambiado. La fotografía a diferencia de las personas siempre permanecerá y esto hace que nosotros siempre estemos en el recuerdo.

La Sombra del Iceberg

                                                

 

 

¿ Quién es Capa y a qué crees que se debe su relevancia como fotógrafo?

   Robert Capa nació en Budapest en el seno de una familia judía con buena posición económica.
Con 18 años de edad se marcha de Hungría para establecerse en París, allí conoce a David Seymour quien le consigue un trabajo como reportero gráfico. Mas tarde conoció a la fotógrafa   Gerda quien acabaría siendo su mujer.

 En esta época es donde se hace conocido Robert Capa. Capa es la suma de Endré Friedman y Gertha Phororylle ( conocida como Gerda Taro) , aunque desde un principio Capa tiene su propio estilo de fotografiar.

Es considerado el padre del reportaje de guerra, por la manera que tiene de hacer las fotografías, acercándose lo más que puede al momento de la acción y mostrando la realidad de lo que sucedía.

La fotografía más conocida de Robert Capa , es ¨La Muerte de un miliciano¨ fotografía que hizo en Córdoba durante la Guerra Civil Española.

¿ Por qué esta imagen fotográfica se convirtió en un símbolo de la lucha republicana?
                                             
                                                         

Capta el momento de la muerte de una persona que está fuera de combate y que no está protegida por nadie ni nada.
 Es una imagen que transmite dolor e incluso parace una escena cinematográfica, parece que está preprada y ensallada la muerte de la persona.

 Es el instante en el que capta el movimiento del meliciano debido al impacto de la bala en su cuerpo.

Puedes imaginarte cualquier lugar, batalla y momento porque en la imagen no aparece nada más que el miliciano.

Es una fotografía que recuerdas por su sencillez, por no haber elementos que la distingan.

¿ Qué otras fotografías han seguido un proceso parecido y se han convertido en símbolos de una época?
 
                                               

                                                                                        Eddie Adams

                                                                                            Marc Riboud

 

                                                                                             Kevin Carter

                                                                                           Charles Ebbests


¿ Qué aportaciones hace el documental a la investigación sobre la famosa fotografía de Capa?

El estudio de la fotografía por parte de un forense acredita que el miliciano de la fotografía no es Federico Borrell García sino que es un desconocido.
La fotografía fue preparada por Capa  y por ello no se produjo ninguna muerte
Hay fotografías de Capa similares a estas
En el momento que se hizo la fotografía no se estaba produciendo la batalla.
 

¿William Klein o Robert Frank?

Robert Frank nació en 1924 en Zürich, siendo joven tuvo que marchar a Estados Unidos debido a la amenaza nazis en Suiza. Frank decide dedicarse a la fotografía para escapar de los negocios familiares.

Aprendió fotografía de algunos fotógrafos y diseñadores gráficos, su primer libro se titula ¨40 fotos¨
En 1947 emigró a Estados Unidos y su primer trabajo fue en la revista de moda Harper´s Bazar.
Años más tarde viajó por Europa y América del Sur, publicó dos libros de fotografías con las que hizo en Perú.
Regresó a Estados Unidos y allí conoció al fotógrafo Edward Steichen, participo en el grupo de 51 fotógrafos de América.

Las primeras  fotografías de Frank transmitían optimismo y tenían cierto aire pictorialista. Estando en Estados Unidos , sus fotografías comenzaron a  tener un carácter más  rebelde,  queriendo fotografiar lo que él sentía de esa   sociedad que era más triste y solitaria.
Cambió la manera de fotografiar que tenían otros fotógrafos, haciendo fotografías desenfocadas, en lugares recónditos, con encuadres torcidos, y con grano en las fotografías.
Con estás carácterísticas de sus fotografías hizo una colección de fotografías de la sociedad de Estados Unidos que  plasmó en un libro, que fue difícil de publiacar en Estados Unidos por lo que transmitía. ¨Los Americanos¨. Tuvo que irse a París para publicar el libro.

En 1970 publica un libro ¨ Las líneas de mi mano¨ donde fotografía pintura, que era lo que él hacía anteriormente.
                                       

                                         

William Klein nació en 1926 en Nueva York. Desde niño le gustaba el arte y estudió pintura en Paris, en 1948.
Años más tarde dejó la pintura para dedicarse a la fotografía por completo. Es conocido por su fotografía tanto de moda como documental.

Su primer trabajo como fotógarfo fue para la revista Vogue en 1954 y hasta 1956. Intentaba darle  a la  fotografías  su propio estilo, mostrando ironía en la fotografía de moda.

Su verdadera vocación fotográfica fueron los reportajes fotográficos, así es como se dedicó a hacer fotografías de Nueva York y otros paises, a lo que el llamó ¨fotos serias¨ .  En las fotografías plasmaba su carácter. Fotografiaba las cosas cotidianas de la ciudad de Nueva York.

Rompió con todas las reglas de la fotografía, utilizaba el gran angular y el teleobjetivo, hacía fotos desenfocadas y con altos contraste de blanco y negro.

Utilizaba más la intuición que la técnica. En todas sus fotografías hay cierta ironía.
                               
                                                   
                                                        

Klein y Frank son dos fotógarfos con grandes similitudes, podemos ver que los dos muestran la calle, sin elementos que lo distraigan de la realodad que ellos representan.
Klein muestra la realidad de una manera más directa, Frank lo hace de una manera más sutil, creando misterio en la fotografía.
 Klein muestra en las fotografías cierta ironía.

Me gusta más Klein, por la manera de fotografíar, hace que pensemos más en sus fotografías por esa cierta ironía que transmite, aunque sean fotografías muy directas. Tiene su propio estilo a la hora de hacer las fotografías de moda, poniéndole su toque irónico que hacen que sean divertidas y diferentes.